美術展: CZTのブログ

　「具体」の国際的評価が高まるなか、作品を海外に送る際、個々の作品を識別するために、少年時代から愛読した『水滸伝』に登場する豪傑たちのあだ名をタイトルにつけ始めたということです。題名に物語の要素が入り込み、見る者のイメージを少し限定するというか、ダイナミックとか暴力とか血なまぐさいとかいうイメージと結びつきやすくなってしまったところがあると思います。たしかに、ここで展示されている作品は赤が多用されていて、血の色ですから、そういうイメージに結び付きやすかった。まあ、ここに展示されているシリーズが並んでいるのを、比べながら見ていると、単にロープにぶら下がってのたうち回っていただけで、どれも似たように見えるかというと、そんなことはないのが見ていてハッキリと分かります。それぞれの作品がちゃんと個性があって、それぞれが一つの世界として完結しているのです。そこには、行き当たりばったりの結果オーライではない、おそらくアクションのパフォーマンスをするさいに、ある程度の意図をもって描き分けている。そういう意思を感じることができると思います。例えば、足で足掻くように絵の具を塗りたくっている部分と、そうでない部分をちゃんと分けていて、その違いが見ていて分かる。それらの部分が交錯している仕方が作品で違う。あるいは、足掻くようにして絵の具が塗られているところも、その足の動きそのものは単純な太い線（喩えて言えば、書道の大きなモップのような筆で一気に引いたような単純な墨の線のような）のところもありますが、それだけではなく、単一色でなく、何色もの絵の具が混ざったり、混ざらなかったりして線の中に同居していて、それらが変化しながら線が引かれている。だからのたうち回る線そのものが変化していて、その線の変化が予想がつかないほどだし、ときには、なんとも句妙で微妙な色合いをつくり出している。そういう多彩な変化で、一つ一つの作品が構成されているのです。足で絵の具を塗るというと奇矯なパフォーマンスに映りますが、それ以前の絵画でも普通に、絵の具を手の平でのばしたり、指でなでたりしていたのですから、それを足でやってもおかしくはないはすです。大きなストロークで描きたいなら手より足の方が大きいということになります。こんなことを言っても後出しじゃんけんのようにもので、白髪の作品での効果が、それだけ自然な印象だということなのです。
　「天異星赤髪鬼」という１９５９年の作品、シリーズのなかでも、最も早い時期の作品だろうと思います。塗りたくられる絵の具の迫力は当然なのですが、ここでは画面の端っこのキャンバスの下地の白が却って印象的で、その白の部分が残されているところで、白と絵の具の塊の対照が強調されている。白と対照されるからこそ、赤の塊が強く際立たせられている。とくに、画面の端のところで白地に赤い絵の具の飛沫が小さく点々とはねた跡が水玉のようにあるのが、なんとも繊細な感じがしています。その全体とのギャップがあり、この作品は、そういう対照が至る所で見つけることができます。
　「天空星急先鋒」は１９６２年の作品ですが、「天異星赤髪鬼」の塗りが赤から黒へという強い色ばかりだったのに対して、白く塗られたところが部分的に入っています。それが塊の凝集力を弱める印象を作りだしたのか、塊のところを貫くよう、あるいは塊から外に突出するように黒色が多いのですが、太い線が伸びています。とくに左上から右下に対角線のようにまっすぐに画面を貫くような直線は、黒色に白が混じりだしていって走っている。
　「天罪星短命二郎」は１９６０年の作品で、構図が明快で線の方向性が崩れてはいますが横の８の字をなぞるように描いています。その結果、塊の外形がひょうたん型になっています。それが一見真っ黒に塗られているので、猪かサイかのような獣に見えてきます。しかし、近寄ってよく見ると、真っ黒に見えていた塊が、実は赤が隠れていて、その隠れた赤と黒のグラデーションがとても微妙なため、繊細な印象を持たされるのです。
　「天富星撲天離」は１９６３年の作品で、これまでの作品に比べて色彩がとても豊かです。これは想像ですが、筆で描く場合にはパレットの絵の具をつけてキャンバスに塗り、色を変えたければ、油で筆に着いた絵の具を落として、新しい絵の具をつければよい。しかし、ロープにぶら下がって足に絵の具をつけて塗っているのであれば、絵の具を変えるのは大変な手間が伴うことは想像に難くありません。これまで見てきた作品が黒を基調としているのは、赤などの色を塗って、黒なら重ねてつけて塗っても黒という色を使うことができるからでしょう。しかし、この作品のように、主として見えているだけでも、白、黄、青、赤、黒と系統の異なる色を使っているのは、しかも、全体が黒を基調にしていないので、色を塗る際に緻密に計画していないとできないと思います。この作品では、色が混ざって滲むようにグラデーションを作りだすところと、色が混ざらずに単色で鮮やかに映えているところもあるのです。他の作品に比べて多彩で鮮やかな印象です。また、この作品では、線が細切れになっているのと、構図として曲線で囲むように円を描く線が伸びて、その内部でチェック型のような線の断片がある。このように足で引く線のタッチが多彩になっています。「天空星急先鋒」のように勢いのある線が伸びて画面を飛び出しそうになることはなくて、画面全体の方向性が外に出るから、内に向くという方向に変わっています。それだけ充実した印象が強くなっていると思います。

　白髪が具体美術協会に参加して、本格的にフット・ペインティングを実行していくころの作品ということです。この後のコーナーが「水滸伝豪傑シリーズ」ということで、それまでの作品ということでしょうか。実は、私は、この展示を見ているときにはフット・ペインティングなるものを知らなかったので、独特の絵筆の使い方と思っていました。そういう結果を求めて、こういう作品を意思して制作していたと思って見ていました。天井から吊したロープにぶら下がり、床に広げたキャンバスに足で滑走して描くというか絵の具を塗りたくるという手法は、偶然に任せたようなもので、筆を執って描くという技能による場合とは全然違うので、そこに作家の意思がどれだけあるのか、ということになるのかもしれません。おそらく、この手法は作家の意思とかよりも偶然に任せるといったことを求めてのことでしょう。しかし、絵画を離れて、マンガを考えてみると、マンガの作品を制作しているのはアシスタントを含めたプロダクションであって、作画はマンガ家本人は一部しかかかわっていなくて、背景などはアシスタントに任せてしまうこともあるようです。しかし、それで出来上がった作品について、絵が上手とか下手かはすべてマンガ家の評価となります。本人が描いていないにもかかわらずです。そこには、アシスタントに書かせるということをマンガ家が選択したということと、最終的にアシスタントの描いたものをマンガ家の作品として認め、発表したということが、マンガ家の意思が働いているからです。これは、西洋のルネサンスやバロック美術の画家の工房の制作にも共通します。ルーベンスが筆を執っていなくても、その工房で制作され、親方のルーベンスが認めものはルーベンスの作として注文主に納品されるわけです。白髪の作品に戻れば、彼の足は手先のように彼の思うように動かず、偶然に支配されるというのは、プロダクションで他人に描かせることとあまり変わらないのではないか。それを最終的に白髪は作品して発表しているのですから、気に入らなければボツにするかやり直せばいい、そこに画家の意思があると言えると思います。いろいろと難しい理屈はあるのかもしれませんが、私の場合は、作品という結果を見て楽しんでいるので、それをどのようにして描いたのかということは、結果より前面に出ることはありません。そんなことを知らなくても結果さえよければいいので、強いて言えばスパイス程度のことにすぎないと思います。それは画家の苦闘とか、そういうことは別の話です。この展示も、余計な説明を一切行わずに作品とタイトルだけを出しているのは、作品だけをみてほしいということではないかと思います。それゆえ、足で絵の具を塗りたくろうが、筆で熟練した技術で描こうが、同じように結果としての作品を見た感想を述べていきたいと思います。
　「無題」という１９５７年の作品です。フット・ペインティングを始めたころの作品でしょうか、後年の白髪の作品は尤もらしい題名がつけられていますが、この作品の「無題」というのは、とにかくやってみて、出来上がったというので、それをどうこう考えるところまでいかなかったので、「無題」ということになったのでしょうか。それだけに、余計な物語的なものが入り込んでいないで、却って抽象度の高い作品となっています。この作品が、これまで見てきた作品と大きく違うのは、フット・ペインティングを始めたということ以外にも、この大きなサイズということが言えると思います。実際のところ、ロープにぶら下がって足で絵の具を塗りたくるわけですから小さなキャンバスにちまちま描くことなんかできないでしょう。動き回らなくてはならないのだから、どうしても大きな画面が必要担った結果が、このサイズなのでしょう。それが結果として、大きな画面だからこそ現れる効果というのが、この作品にはあると思います。それは一種のイベント性というべきなのか、例えばバロック美術の宗教画では、教会に飾られたものは、大聖堂という空間で、天上から光がさしてくるのに作品が照らされて、見る者は作品を見上げるように飾られているというシチュエィションの中で見られる。そうすると、それらがあいまって特殊な効果を見る者に及ぼす。そういうイベント性に近いものを、この作品は纏い始めているとおもえるのです。まずは大きなサイズで、黒い塊のような描かれたものが見る者にのしかかっているような迫力。さして、これが私には大きな要素なのですが、この大きさではじめて色のグラデーションを見ることができる。おそらく、このページの作品の画像では、いくら見ても分からないと思いますあの大きな、実物を、実際に、目の前で見ないと分からない。そういう微妙な作品で、白髪の作品には、そういう特徴があることで共通しています。それはこれ以降に見る作品に共通しているものです。この作品では、画像では黒い塊にしか見えません。現物を見ていると、黒い絵の具で塗られている下には青とか茶とかの色が塗られている。その上から黒の絵の具が塗られて、その塗りにムラがあるので、塗りの薄いところや絵の具が掠れたりするところは、下の色が透けて見えている。それは、下の色そのものではなくて、黒を通してなので、下の色は微妙なのです。しかも、黒い絵の具で塗られているようで、実は一部に茶も混じっている。したがって塗りの具合では茶と黒の両方が出ているところがある。それを透かして下の色が見えていたりもする。そういう変化が画面全体でなされている。そういう細部をみていいくと、後から後から変化が見えてくる。しかし、画面のサイズが大きいので、全体を見渡すことはできず、離れて全体を見ると細部が見えなくなる。そうして見ていると、切りがない。そういう作品です。同じ「無題」という題名の１９５９年の作品は黒で塗りつぶす部分が少なくなって、下の色がより多く出ている。それだけに明確な印象が強くなっています。